Вино, воздух и искусство: как живёт частный арт-парк

Каждый из этих объектов — часть большой коллекции, которая существует вне стен и рам. Это искусство, вписанное в ландшафт. Здесь его не просто смотрят — по нему идут, в нём дышат, оно становится частью пейзажа и личного маршрута.

Проект начался как идея одного человека — ирландского девелопера и коллекционера Пэдди МакКиллина — и вырос в масштабное культурное явление, где лучшие архитекторы мира строят павильоны, художники создают инсталляции, а сама земля становится куратором.

Мы побывали в Château La Coste и собрали маршрут из 20 ключевых арт-объектов — от хрупких «Деревьев желаний» Йоко Оно до бронзового «Человека с органами» Хёрста. Этот материал — не только путеводитель по частной коллекции, но и приглашение к разговору о том, как живёт современное искусство вне стен музеев.

Прогулка здесь — неформальный ритуал. На входе вам выдают карту — и дальше вы отправляетесь в путь. Маршрут занимает как минимум четыре часа, а чаще — весь день: десятки объектов раскиданы по холмам, виноградникам и лесу, и каждый из них заслуживает внимания и времени. Завершить маршрут можно дегустацией местного вина, обедом в одном из ресторанов или — если есть желание продлить опыт — остановиться в отеле, построенном прямо среди произведений искусства.

Как всё началось

История Château La Coste — это история страсти, превращённой в культурный проект. В начале 2000-х ирландский бизнесмен и коллекционер Пэдди МакКиллен приобрёл старинное винодельческое поместье неподалёку от Экс-ан-Прованса. Но, в отличие от большинства новых владельцев, он не стал просто восстанавливать шато. Его идея была амбициознее: создать уникальное арт-пространство под открытым небом, где скульптура, архитектура и природа будут не сосуществовать, а сливаться.

Он начал с того, что пригласил великого японского архитектора Тадао Андо. Тот разработал генеральный план территории и предложил ключевую концепцию: никакой резкой границы между искусством и ландшафтом. Андо спроектировал главный арт-центр — архитектурную композицию с зеркальной водой — и построил часовню, ставшую символом места.

К нему присоединились другие звёзды архитектуры:

Жан Нувель (Jean Nouvel) спроектировал винодельню,

Фрэнк Гери (Frank Gehry) — музыкальный павильон,

Ренцо Пиано (Renzo Piano) встроил музей прямо в склон,

Оскар Нимейер (Oscar Niemeyer) создал один из своих последних павильонов, и умер до завершения строительства — теперь он стал своего рода мемориалом мастеру.

Каждое архитектурное сооружение здесь — произведение искусства, созданное в ответ на ландшафт.

Художники приглашались лично, часто — из числа тех, чьи работы МакКиллен уже собирал. Главным условием было одно: объект должен быть ин-ситу — то есть созданным для этого конкретного места и диалога с природой.

Ай Вэйвэй установил «Железное дерево» — собранное из металлических обломков, оно кажется живым, но при этом словно пережило бурю времени.

Луиза Буржуа передала в коллекцию монументального паука — его длинные ноги касаются зеркальной глади воды.

Йоко Оно посадила «Деревья желаний», к которым можно прикрепить бумажки с мечтами.

Дэмиен Хёрст поставил бронзового «Человека с органами» — гротескный и анатомический образ, который одновременно пугает и завораживает.

Софи Каль, Ричард Серра, Хироси Сугимото, Энди Голдсуорси, Трейси Эмин — каждый создал работу специально для этого места.

Важные факты:

Общая площадь — более 200 гектаров.

Постоянная коллекция насчитывает более 40 крупных произведений.

Есть отель класса люкс, пять ресторанов, включая гастрономический, винодельню с органическим производством.

Проект продолжает расширяться — каждый год появляются новые объекты.

Проводятся временные выставки, фестивали, показы фильмов и вечера с участием художников.

Это не просто коллекция. Это модель мира, где богатство выражается не в громоздких фасадах, а в смысле, вложенном в каждую деталь. Château La Coste — одно из немногих мест, где частная инициатива дала жизнь подлинно публичному и живому культурному опыту.

Интересные факты и истории

• Павильон Оскара Нимейера стал его последним построенным проектом. Архитектор скончался до завершения строительства, и здание было закончено в строгом соответствии с его эскизами.
• Луиза Буржуа согласилась разместить «Паучиху» только при условии, что она будет установлена на воде — чтобы отражение стало частью произведения. Так родился зеркальный пруд у входа.
• Некоторые работы остаются без подписей и названий, чтобы посетитель мог сам вступить в контакт с искусством, без посредничества этикеток.
• Damien Hirst представил свою анатомическую скульптуру человека (торс с органами) как часть диалога между жизнью, телом и вином — что может быть телеснее?
• Одно из любимых деревьев Трейси Эмин было воссоздано в бронзе и стекле — как личный жест памяти, ставший скульптурой.
• В Château La Coste проводят резиденции художников, которые могут на время поселиться и работать прямо на территории.

Объекты на территории Château La Coste

Мы выбрали 20 самых впечатляющих объектов Château La Coste, но на самом деле их гораздо больше — более 40 постоянных работ и несколько архитектурных павильонов, в которых проходят временные выставки.

1. «Паук» Луиз Буржуа (Louise Bourgeois), 2003

Автор — Louise Bourgeois, французско-американская художница, признанная одна из самых влиятельных фигур XX века в мире скульптуры и искусства феминизма.

Эта экспозиция приветствует посетителей сразу после въезда на территорию.  Скульптура «Crouching Spider»  представляет собой огромного паука, плавающего над водой и отражающегося в её зеркальной глади. Для Буржуа паук был важным символом — он ассоциируется с её матерью, которая шила гобелены. Этот образ несёт в себе темы защиты, материнства, но и хитрости, скрытых страхов и уязвимости. Название «Crouching» («Преследующий», «Подогнутый») усиливает ощущение напряжённой эмоциональной динамики — внешний невозмутимый вид скрывает внутреннюю глубину и тревогу.

Созданная в 2003 году, скульптура отлита из бронзы и размещена на плоском водоёме, который не только усиливает её визуальное воздействие, но и гармонично интегрирует в природный ландшафт, создавая ощущение «левитации». Бронзовая фигура установлена над спокойной поверхностью воды, что позволяет «паучье» отражение создать двойной образ — аллюзию на внутренний мир зрителя.

2. Damien Hirst – Temple, анатомический торс (2008)

Знаковая работа Хёрста — художественный объект, где наука пересекается с эстетикой. Тело предстаёт обнажённым, шокируя, вызывая любопытство и связь с бренностью.

Создание и контекст: Изображает точную деталь анатомии — мышцы, вены, органы. Установлена на открытом пространстве Château La Coste, взаимодействуя с природой. Это не просто визуальный шок — это философский диалог о жизни и смерти, о теме плотского и мрачного, присутствующего в доме искусства.

3. Музыкальный павильон Френка Гери (Frank Gehry), 2008

Фрэнк Гери — один из самых известных и влиятельных архитекторов современности, лауреат Притцкеровской премии и один из главных представителей деконструктивизма. Его стиль легко узнаваем: деформированные, динамичные формы, кажущиеся спонтанными, почти живыми, но на деле глубоко продуманные с инженерной точки зрения. Он перевернул представление о современной архитектуре, придав ей черты скульптурности, хаоса и экспрессии.

Здания Фрэнка Гери:

Танцующий дом в Праге (Чехия), 1996

Музей Гуггенхайма в Бильбао (Испания), 1997 https://www.guggenheim-bilbao.eus/en

Музей поп-культуры в Сиэтле (США), 2000

Концертный зал Уолта Диснея в Лос-Анджелесе (США), 2003

Фонд Луи Вюиттона в Париже (Франция), 2014  https://www.fondationlouisvuitton.fr/en/fondation

Новое здание Facebook в Менло-Парке (США), 2015

В 2008 году Гери создал для Château La Coste камерный концертный павильон — архитектурную скульптуру, укрывшуюся среди холмов Прованса. Павильон работает как своеобразная «ловушка для звука»: сочетание изогнутых деревянных конструкций и прозрачных стеклянных пролётов создаёт идеальную акустическую и визуальную среду. Это пространство одновременно и концертный зал, и произведение искусства, в котором звук и свет становятся частью архитектурного языка.

Павильон в Château La Coste — один из самых камерных и поэтичных проектов Гери, почти неизвестный широкой публике, но крайне важный для понимания его творческой философии.

4. «Часовня и крест» Тадао Андо (Tadao Ando), 2011

Проект Chapel and Cross, созданный Тадао Андо для Château La Coste, — один из самых деликатных и поэтичных жестов в пространстве искусства и архитектуры.

Японский мастер минимализма, лауреат Притцкеровской премии, знаменит своими «архитектурами тишины» — пространствами, где бетон, свет и пустота обретают почти медитативную выразительность. В Провансе он работает не над новым зданием, а переосмысляет старинную часовню, сохранив её каменные стены и одновременно как бы отстранив их — укрывает часовню стеклянной оболочкой. Это не просто сохранение, а архитектурный жест, который делает сакральное пространство почти невесомым, оторванным от времени, но не от земли.

Главная сила проекта — в равновесии между прозрачностью и каменной тяжестью, между историей и современностью, между светом и тенью. Здесь можно войти в тишину, но остаться на свету. Это не религиозное сооружение в привычном смысле — это место для внутреннего диалога.

5. «Деревья желаний» Йоко Оно (Yoko Ono), 2019

Йоко Оно — художница, перформер, одна из пионеров концептуального искусства, феминистка, вдова Джона Леннона. Её творчество всегда связано с идеей участия, мира и личной ответственности.

Wish Trees — это серия работ, где зритель становится соавтором. Посетителям предлагается написать своё желание на кусочке бумаги и повесить его на дерево. В Château La Coste это миндальные деревья, растущие в круге — как символ цикличности, жизни и возобновления.

Работа вызывает почти детское, искреннее чувство. Здесь искусство не выставлено для наблюдения — оно становится действием, в которое ты вовлечён. В каждой записке — надежда, и вместе они создают «сад желаний» — тихий, человечный, живой.

6. «Дом воздуха» Ли Уфан (Lee Ufan), 2014–2015

Этот проект южнокорейского художника и философа Ли Уфана (Lee Ufan) состоит из трёх архитектурно-скульптурных арок, каждая из которых выполнена из разного материала — камня, дерева и стекла. Вместе они образуют почти храмовое пространство, в котором зритель становится частью медитативного действия.

В арке из стекла — прозрачность, уязвимость и отражение. В деревянной — тактильность и внутренняя тишина. В каменной — тяжесть и устойчивость. Между этими формами — не пустота, а пауза, которую Ли Уфан считает главной частью своей работы. Его творчество строится не на изображении или рассказе, а на взаимодействии между предметами и пространством, между вещами и воздухом.

В некоторых скульптурах действительно создаётся иллюзия левитации: огромные камни опираются лишь краем, или словно зависают в пространстве. Этого эффекта художник добивается с помощью тончайших инженерных расчётов и скрытого крепежа — иногда даже с использованием магнитов. Но сам он говорит, что главное не в технике, а в восприятии: как тяжёлое может казаться лёгким, как простое становится глубоко философским.

7. «Матерь-Земля» Прюн Нури (Prune Nourry), 2024

Огромная женская фигура, вписанная в землю, с входом в «внутреннее пространство-пещеру» живота. Символ плодородия, рождения. Женская фигура как ландшафт: призыв задуматься о теле, жизни и взаимосвязи с землёй. Работа изначально создана в 2010, завершена в 2024.

8. «Комета» Кенго Кумы (Kengo Kuma), 2018

Кенго Кума — один из главных архитекторов Японии, представитель нового поколения, стремящегося к диалогу между природой и архитектурой. Его проекты — это попытка «растворить» здание в контексте: вместо монументов — лёгкие, живые конструкции, чувствительные к свету, воздуху и материалу.

Инсталляция «Комета» создана из десятков деревянных балок, будто «вылетевших» из центра и зависших в воздухе. Свет просачивается сквозь конструкцию, создавая рисунок теней на траве — объект кажется движущимся, хотя полностью неподвижен. Это архитектура как дыхание: открытая, летящая, встроенная в ландшафт. Кума называет такие проекты архитектурой эмпатии — она не подавляет природу, а слушает её.

9. «Капля» Том Шеннон (Tom Shannon), 2009

Скульптура в виде капли воды, отполированная до идеального зеркала. Она не столько существует сама по себе, сколько отражает всё вокруг — небо, землю, прохожих. Том Шэннон часто работает с формами природы, заставляя нас почувствовать собственную хрупкость и вечность. Drop словно «взвешена» в пространстве, и это зритель наполняет её смыслом.

10. «Ироновое дерево» Ай Вэйвэя (Ai Weiwei), 2013

Ай Вэйвэй — один из самых влиятельных современных художников и активистов Китая. Его творчество всегда связано с вопросами свободы, цензуры, идентичности и памяти. Он остро критикует политические режимы, защищает права человека и переосмысляет культурное наследие через искусство.

Скульптура «Железное дерево» собрана из фрагментов разных деревьев, отлитых в чугуне. На первый взгляд кажется, что это настоящее дерево, сросшееся из разных пород. На самом деле оно полностью металлическое, и даже следы «починки» — болты, швы, соединения — сделаны нарочито заметными. Это дерево — метафора самого художника, человека, состоящего из множества культурных, личных и исторических фрагментов, собранных в единое целое. Оно стоит в Château La Coste как знак памяти, силы и несгибаемости.

11. «Патриарший павильон» Лиама Гилика (Liam Gillick)

Объект представляет собой многогранную геометрическую структуру из ржавеющей стали, напоминающую кристалл или футуристическую капсулу. Павильон скрыт среди деревьев на холме, его поверхности отражают солнечный свет и придают объекту ощущение внеземного происхождения. Внутри — открытое пространство для уединения, созерцания и диалога, задуманное как место для философской паузы в ландшафте искусства.

12. «Тихий сосуд» Тони Крэгга (Tony Cragg), 2008

Тони Крэгг — британский скульптор, один из лидеров постмодернистской скульптуры. В центре его внимания — форма как живой процесс: как она возникает, развивается, взаимодействует с пространством и зрителем. Он работает с самыми разными материалами — от пластика до бронзы — и постоянно экспериментирует с балансом, массой и визуальной логикой.
Скульптура «Тихий сосуд» (Silence) в Château La Coste — это огромная перевёрнутая полусфера, словно парящая над землёй. Она отсылает к архаическим формам чаши или лона, но сделана из тяжёлой бронзы. Снаружи объект кажется закрытым и молчаливым, но внутри он работает с акустикой: звук в нём усиливается, отражается, становится телесным. Это пространство для внутреннего сосредоточения и медитации. Скульптура притягивает своей простотой и одновременно вызывает ощущение неведомого.

13. «Тотем» Стерлинга Руби (Sterling Ruby)

Массивная бронзовая скульптура напоминает одновременно лавовый поток, древесный ствол и фантастическое существо. В её теле будто запечатлены текстуры кораллов, пепла, обугленного дерева и расплавленного металла. Это не реалистичный образ, а материализованное напряжение между разрушением и зарождением, дикой природой и неоформленной культурой.

Стерлинг Руби — американский художник, работающий на стыке скульптуры, керамики, живописи и текстиля. Его творчество часто обращается к темам агрессии, мутаций, тюремной культуры и постиндустриального ландшафта. В Château La Coste его скульптура становится как бы диким идолом, выросшим среди виноградников — знаком примитивной силы, которая противостоит эстетике чистоты и упорядоченности.

14. Каменный арочный мост Энди Голдзуорти (Andy Goldsworthy, Stone Bridge)

Каменный арочный мост, спроектированный ирландским художником и скульптором Энди Голдзуорти, известным своими лэнд-арт инсталляциями, создаваемыми из природных материалов — камня, дерева, листьев, воды, льда.

Мост построен вручную из сланца, без использования цемента, в духе традиционного сухого каменного строительства. Он кажется древним, будто найденным на месте старой дороги — но это современная работа, созданная с максимальным уважением к природе и местному ландшафту. Арка удерживается исключительно за счёт силы гравитации и точного расчёта формы.

Инсталляция не просто мост в функциональном смысле, а символический переход — между временем, между землёй и воздухом, между человеческой конструкцией и естественным пейзажем. Под ним — сухое русло, как память о воде, о движении, о том, что было и может быть снова.

15. «Дом для просвещения» Хироси Сугимото (Hiroshi Sugimoto)

Представляет собой деревянную платформу на сваях, построенную в глубине леса, с необычным скелетообразным куполом из множества вертикальных деревянных стержней. Это сооружение одновременно напоминает заброшенный храм, строительные леса и живую архитектуру, которая растёт изнутри. Внутри находится святилище — бетонная комната, в центре которой помещён резной тотем в форме вертикального фаллоса, соединяющий органику, символизм и нечто архетипическое.

Сугимото — японский фотограф, архитектор и концептуальный художник, известный своим вниманием к времени, свету и метафизике. Его проекты часто погружают зрителя в состояние сосредоточенного созерцания. Этот «Дом для просвещения» продолжает тему сакральности и ритуала, предлагая зрителю личное переживание внутри архитектурного пространства — где сквозь прутья проникает свет, создавая ощущение внутренней и внешней трансформации.

16. «Wall of Light Cubed» Шона Скалли (Sean Scully)

Объект представляет собой монументальную стену, выстроенную из разноцветных каменных блоков — гранита, песчаника, мрамора — с чередующимися фактурами и полосами. Это не просто архитектурная структура, а живописная работа в трёх измерениях. Шон Скалли, один из крупнейших современных мастеров абстракции, известен своими композициями из цветовых прямоугольников. В «Wall of Light Cubed» он переносит эту эстетику в ландшафт, соединяя строгость формы с вибрацией цвета и света.

Поверхность стены «дышит»: в ней есть ритм, импульс, напряжение между горизонталью и вертикалью. Каждая сторона отражает и ловит свет по-своему — в зависимости от времени дня, облаков и теней. Это настоящая абстрактная живопись, вырезанная из камня и встроенная в пейзаж.

Рядом — крест, подвешенный в воздухе. Он составлен из красных стеклянных сфер и словно парит между землей и небом. Этот крест не символ культа, а визуальное воплощение идеи — равновесия, ритуала, покоя. Свет, проходя сквозь стекло, окрашивает траву и камни в тёплые оттенки — словно архитектура обращается к человеку не словами, а дыханием.

17. «Восход луны. Восток» Уго Рондиноне (Ugo Rondinone)

Высокая вертикальная композиция из ярко раскрашенных шаров, нанизанных один на другой, будто балансирующих на грани устойчивости. Каждый шар имеет слегка неровную, как бы лепную текстуру, что придаёт всей конструкции ощущение ручной работы и нарочитой наивности. Цвета — насыщенные, как из детской палитры, но собраны в тонко продуманную вертикальную гамму.

Уго Рондиноне — швейцарско-итальянский художник, известный своими скульптурами, которые балансируют между минимализмом, поп-артом и ленд-артом. Его работы часто обращаются к циклам природы, времени суток, астрономии и внутренним состояниям.

18. «Экс» (AIX), Ричард Серра (Richard Serra), 2008

Ричард Серра — один из крупнейших американских скульпторов XX–XXI века, известный своими монументальными инсталляциями из стали. Его работы всегда про пространство, вес и взаимодействие зрителя с формой.

«AIX» — это мощная скульптурная интервенция в ландшафт Шато Ла Кост. Несколько гигантских стальных плит, врезанных в землю, образуют коридор, по которому можно пройти. Но это не просто проход — это почти телесный опыт: металл подавляет, сжимает, открывает. Скульптура не рассказывает историю, она заставляет почувствовать масштаб, вес, гравитацию. В отличие от декоративных объектов, Серра работает с восприятием как с материалом.

19. «Кирпичный лабиринт» (Brick Labyrinth), Пер Киркебю (Per Kirkeby), 2018

Пер Киркебю — датский художник, скульптор и архитектор, чьи работы соединяют строгую материальность и философскую глубину. Он начинал как геолог, и эта «земная» чувствительность ощущается во всём его творчестве.

В «Кирпичном лабиринте» он создаёт павильон, будто возникший из античных руин или средневековых арок. Это замкнутое пространство из красного кирпича без крыши, в котором можно бродить, теряться, находить укрытие. Он отсылает и к памяти места, и к телесному присутствию в архитектуре. Киркебю не строит здания — он создаёт «заземлённые» скульптуры, в которых пространство становится материальным и почти духовным.

20. Павильон Неймейера (Oscar Niemeyer), 2011 (завершён посмертно)

Оскар Нимейер (Oscar Niemeyer) — один из величайших архитекторов XX века, основатель бразильского модернизма и создатель главных зданий Бразилиа. Проект Château La Coste стал последним в его карьере: архитектор умер в 2012 году, а павильон завершили уже после его смерти.Это белоснежное здание с куполообразной крышей и прозрачной стеной — образец лирического модернизма. Внутри проходят временные выставки, пространство залито светом и воздухом. Павильон как будто парит над землёй — в нём ощущается философия Нимейера: «архитектура должна быть лёгкой, как поэзия».

Об авторе

Екатерина Бородай — издатель с 2005 года, арт-продюсер, культурный обозреватель и со-основатель Art Most. В её поле — художники, коллекционеры, независимые институции и частные пространства, в которых искусство живёт своей жизнью. С 2015 года она работает в арт-бизнесе, создаёт тексты и маршруты, которые соединяют зрителя и произведение. Этот репортаж — часть проекта, посвящённого современным формам коллекционирования и роли искусства вне музейных стен.

Каталог Арт Мост: